原文刊载于《歌唱艺术》2023年第4期

李琳，中国音乐学院声歌系副教授，硕士生研究生导师，北京市高水平教师队伍青年拔尖人才，主持教育部人文社会科学研究项目等多项省部级课题。曾荣获“文华奖·全国声乐比赛”二等奖、“中国音乐金钟奖·声乐比赛”银奖、“全国高等艺术院校声乐大赛”教师组金奖等；主演歌剧《小二黑结婚》《洪湖赤卫队》等；演唱代表作有《放风筝》《什刹海——心灵的恋歌》《桃花扇》《不该来江南》等。从教十余年，培养出大批优秀声乐人才，创建了“琳琅芳华”中国声乐艺术实践团队。

李琳副教授从教十余年来，扎根舞台实践、潜心理论探索，重视学生的个性化培养和全面发展，在继承传统的基础上灵活运用教学方法，形成了自己独特的教学思想。她主张在声乐演唱中追求“真实性”，歌者与作品“共情”、唱出“心曲”，让抽象的声音概念变得更加具体，通过歌唱最终实现心灵沟通、情感交流的目的。本文围绕“真实的感受，心声的统一”的教学观念，以生活化的语言和风趣幽默的风格，进行启发式、情景式教学，让学生变被动接受为主动求索，激发其自主性和创造性。以下是李琳老师课堂教学内容节选与部分教学思想的总结提炼。下文中授课教师李琳简称“师”，学生由佳汇（硕士一年级，女高音）简称“生”。

一、歌唱技术训练

（一）保证歌唱运动部位的准确性

李琳老师在课堂教学中，经常强调“歌唱也是一项运动”。歌唱技术训练其实就是身体运动训练，歌唱的过程需要相关器官之间的协调运动。因此，在练声时，训练学生准确并娴熟地控制肌肉运动，归置自己的力量（见文末注释，下同），是顺利掌握歌唱技术的重中之重。

1.哼鸣练习——哪里有力量，哪里就有声音

谱例1

（生演唱练声曲）

师：（示意停）哼鸣，要“减少听觉、增加触觉”。仔细体会鼻咽部的肌肉运动，因为肌肉运动产生改变音色的作用力，作用力不断汇聚，形成共鸣的焦点。在练习哼鸣的过程中，感受吸气时鼻梁处有一股向上的牵引力，似吸盘一样，将你的眉毛、眼睛、笑肌，以及以鼻子为中心环绕360度的肌肉全部向上提，感受这股力量的聚焦，反复巩固这个焦点，进而实现歌唱的高位置共鸣。再试一下。

（生再次演唱练声曲）

2.分清力量主动和被动关系

谱例2  下行音阶“U通道”练习

（生演唱练声曲）

师：（示意停）这一条练声，从意识上要敢于主动地操控主动力量进行发力，而非让多余力量拽着声音走，要用向回收、向上吸的力量代替惯性向外放的力量。吸气时，起点主动定位在“后通道”，而非被动地从前向后。同时，一张嘴就是“反张嘴”，而非被动地停留在口腔、下巴处而不自知。

（生再次演唱练声曲）

师：（示意停）在寻找“后通道”的过程中，除了往回贴近咽壁，还要进一步上吸、“挂”住哼鸣，把韵母“u”与哼鸣焦点相连，实现“高咬字”，使声音在高的集中的位置上放大。

（生再次演唱练声曲）

师：你在平常的练习中，注意过运动部位的准确性吗？是不是有的时候好像“嘴上说着A，行为上做着B”，自己还浑然不觉呢？

生：是的，老师。在练习过程中，我可能练错了，自己还不知道。

师：所以，在歌唱运动中，力量越规范越容易唱明白。你们要具备准确的辨别和控制能力，积极并巧妙的用力，学会正确并自如的放松，才能保障歌唱运动的有效进行。

（二）注重呼吸的动力性和自由度

李琳老师在课堂教学中常说，呼吸是歌唱的“发动机”，是歌唱的动力来源；呼吸也是歌唱的起点，并伴随歌唱始终。

谱例3  八度大跳练习

（生演唱练声曲）

师：（示意停）这条练声曲需要注意加强呼吸的动力性，寻找“坐在气上”的感觉，体会“不叹不响”的状态，感受气息支持声音。吸气后，因肺的扩张使腹部空间压缩变小，可以感受到腰腹两侧向外扩张，后腰部肌肉向外、向下扩张，保持并记住这个肌肉状态再出声音，吸到哪儿从哪儿起。

（生继续演唱练声曲）

师：好多了！你现在敢用气了，但感觉身体有点紧，呼吸失去了弹性。要记住，身体的松弛度决定了呼吸的自由度，不要让身体成为呼吸的“壳”。可以尝试在呼吸时寻找一下手风琴风箱运动的感觉（示范），有收有放，让呼吸自由地舒展，不要过于跟它“较劲”，要寻求“松而不懈，紧而不僵”的状态。真正的放松身体，不是松懈，而是有控制的松弛。正确的呼吸对抗，也不是捆住呼吸，而是自由呼吸，再注意气息的舒展和线条。

（生继续演唱练声曲）

师：你感觉这样饱满又自由的呼吸，对你的演唱有什么帮助？

生：我觉得呼吸的起点更明确了，找到了“根”上的力量，随着音高的上升，再也不会出现声音“抖”的问题。

师：是的。你以前之所以出现声音“抖”的问题，正是因为你给气保留了“缝”，将气停留在了“路上”，声音没有真正地搭在气上。同时，“身体是身体，呼吸是呼吸”，不能被身体束缚了呼吸的自由度。所以，要养成深吸气、深贴气、深起气的习惯，追求单纯、饱满的呼吸运动，树立“所有声音的落脚点只能在呼吸”的观念。

二、作品演唱实例

——《崖畔上酸枣红艳艳》

（一）真听、真看、真感受

李琳老师在讲解作品时，常说“你首先要成为作品中的人物”，即引导学生完成角色的转换，想象自己变成作品的主人公，设身处地地去领悟作品，在“真听、真看”中建立“真感受”。李琳老师将其总结为，“心有所想、眼有所望、说中去唱”。

1.启发式提问，明确人物定位和情感基调

（生演唱《崖畔上酸枣红艳艳》第一段）

师：《崖畔上酸枣红艳艳》（刘成章词，王建民曲）是一首集风格性与技术性于一体的作品。我觉得你唱得还是不错的，旋律、歌词基本没有问题，情绪也非常饱满。我想问一下，你吃过酸枣吗？感受过吃到“酸”后的反应吗？

 生：我当时是“嘶”（生此时不由自主地眯起了眼睛，皱起了眉毛，轻轻咧开嘴巴，模拟吃到酸味后的情境）。

师：好，记住这个对“酸”的真实反应。这正是演唱这首作品中需要的，联想亲身经历与感受，来赋予演唱真实性。那我还想问，假设你是歌曲中这位陕北农村的小姑娘，没有穿着今天这样的衣服，没有画着精致的妆容，只是一位很质朴的、挎着篮子的小姑娘，你感觉她年龄是多大？

    《崖畔上酸枣红艳艳》中主人公形象示意图

生：16岁左右吧。

师：差不多。那回到歌曲第一句“清早摘瓜过前湾”，如果是像你这样20多岁的大学生，会怎么说“清早”？

生：（一本正经地说）清早！

师：那如果你是这个16岁的、没读过书的农村小姑娘，又怎么说“清早”呢？

生：（纯真、甜美地说）清早！

师：对！“清早”这两个字是歌曲的开场词，是重中之重，一下子就得鲜活地呈现出这位小姑娘的形象，表现出纯朴的眼神，散发出灵动的气质。一张嘴，作品的人物形象就要伫立在观众面前。现在带着这些感受，再演唱一遍。

（生演唱前四句）

师：好的，演唱上也俏皮了很多。你喜欢歌中这位拉羊的哥哥吗？

生：喜欢。

师：那在叫你喜欢的哥哥时，是什么语气，怎么表达呢?

生：（欣喜、甜蜜地说）哥哥！

师：这就对了。你在叫喜欢的哥哥时，从眼神上应该是欣喜、爱慕的，从语气上又是带着些娇羞的。紧接着歌词中是“啪啦啦啦啦啦啦”一连串的拟声词，我认为这里有两层含义：第一层，它最直观地描写了酸枣掉落一地的声音。第二层，是体现出你内心的高兴。内心潜台词应该是：哎呀，我哥哥可真厉害，打下来这么多酸枣！分析到这里，你能感受到这首《崖畔上酸枣红艳艳》真正想表达的情感内容了吗？真的是一首单纯讲述打酸枣的歌曲吗？

生：我觉得不是，歌词表面虽然在描写打酸枣，其实是用“酸枣”暗喻“哥哥”。借用酸枣的酸甜味道，表达小姑娘遇到心爱的人时欣喜又娇羞的情感，整首作品的感情基调都是甜蜜又羞涩的。

师：没错，这个小姑娘的形象不单有朴实，还有些俏、有些美、有些娇、有些甜在其中。你演唱的每一句，内心都应该填得很满，交待的故事情节也应该清晰、明确。

2.发挥想象力，营造视觉画面

师：好，人物对了。我也能感受到你有积极表达的欲望，但演唱不能仅仅依靠情绪的外放，还要在心中有感受，在眼前有画面，发挥想象力去创设情景，做到身临其境。在这首歌曲中，前两句作为开场白，起到开门见山的作用，你说一下其中都有哪些描绘景色和场景的词语？

生：清早、摘瓜、前湾、崖畔、酸枣。

师：对，短短两句歌词就明明白白地将时间、地点、人物、在干什么交待清楚了，需要你用想象力化虚为实，形成画面，传递给大家。从前奏响起，就要进入作品的情景之中，张口“清早”一个九拍的长拖腔（范唱）仿佛已经站在陕北高原上朝远距离吆喝着，入目之处就是黄沙旷野，接着要去设想清早我是从哪儿走啊？要走到哪儿？前湾在哪儿？崖畔在哪儿？酸枣在哪儿？（示范动作）这一系列过程，都是用想象力这把钥匙开启你的内心和眼睛，填充你与作品的距离，激发画面感、方向感和距离感，这样你才能够身临其境，同时将大家也带入进你眼前的画面。

（生再次演唱前四句，试图展现一种画面感）

（二）内化于心，外化于声

李琳老师在作品的理解与诠释中，注重帮助学生挖掘作品中蕴藏的潜在内容，激发学生内心情感，鼓励学生大胆运用音乐表现手段，进行音乐处理、发挥艺术创造，使作品情感表达与声音二者环环相扣、巧妙融合，真正实现“内化于心、外化于声”。

1.捕捉内心潜台词，增添声音的生动感和趣味性

（生继续演唱后四句）

谱例4

 
 

师：唱到这里，歌曲已经到了“吸睛”之处。我觉得现在唱得还有些保守，缺少感染力。歌词虽然短短四句，但你仔细体会并捕捉人物的内心语言，会发现其中隐含着许多潜台词，要去挖掘显性词背后的隐性内容。例如，“把酸枣”的“把”是显性动词，但其实隐性动词是“捡”，你要突出“捡酸枣”的动作；“放嘴边”的“放”是显性动词，但其实隐性动词是“咬”，你又要突出“咬一口”的动作。在体验这个动词的真实动作时，你的声音自然也会透出生动感和趣味性。再如，“丢了柳条篮篮”的“柳条篮”，看起来它是指姑娘丢了篮子，但其实“篮子”是暗指着姑娘的内心，遇到心爱的拉羊哥哥后好似丢了魂、失了心。你觉得呢？

生：原来如此。我最初唱的时候还对此处有些疑惑，现在终于明白了。

2.以夸张的艺术手段，展现情感变化和风格韵味

师：是的，短短四句既饱含深意又趣味横生，所以我希望你充分发挥想象力，运用夸张的艺术表现手段，敢于在旋律、节奏、力度上进行音乐处理，让层次更加分明，进而反映出情感的波动变化。这四句其实能做出多重对比效果。例如，“说”和“唱”（见谱例4中的标记）：在前两句“我悄悄地走过去，把酸枣放嘴边……”（范唱）像说话一样去找说话的状态，字头夸张出来，加强语气感。后两句“酸不溜溜甜，甜不丝丝酸，害得我丢了柳条篮篮”（范唱）则更像唱的。这里出现了两次“酸不溜溜甜，甜不丝丝酸”，你认为该怎么处理呢？

生：我认为通常两句歌词一定要体现出对比感，并且这两句情感色彩不太一样，所以声音上必然会有起伏。

师：说得对，不要用蛮力，声音力度要有收有放，体现出强和弱的分明对比（见谱例4中的标记）。第一遍要弱下来，去真实地形容这份“酸甜”。我们可以联想一下，平常生活中，你对朋友形容一家餐馆特好吃（示范两种表达形式：一种强，一种弱），一定是第二种这样弱下来、静下来、悄悄的语气更让人好奇，而想要去吃这家餐馆。因此，在这句中能多弱就多弱，气声色彩明显，去刺激大家的好奇心和味蕾，使大家去思考：“哟！这得多酸呀！”嘴巴好似感受到这份酸劲儿，口水都要流下来。紧接着到第二遍，口腔再快速且充分打开，气息拉住，声音力度到达最强，向大家感叹出这份酸甜！到最后一句又要体现出一种“连”和“断”（见谱例4中的标记）的对比。在“害得”和“丢了”处（范唱），果断一点，该断的地方断得干净、利索，该连的地方大胆、自然地连，敢断敢连，才凸显出音乐情绪的对比，也反映出姑娘此时内心的不知所措和害羞。我们分析出了三种音乐对比手段，再唱一下这四句。

（生再次演唱后四句）

师：这样的演唱，才是精彩地呈现了这一段落，将人物内心的波动体现得淋漓尽致。在提高了作品艺术性的同时，又展现出传统民歌的幽默风趣。另外，还要注意的是语言上作为字头的声母可以再夸张一些，而作为字腹、字尾的韵母的归韵去实现与哼鸣位置相统一，这样才既不损失语言的清晰度，又能呈现腔体的饱满度，寻找到最恰当的平衡状态。好的，我们进入歌曲第二段，相信你现在也深深地感受了作品中浓郁的地域韵味。接下来还有一项本节课的重要内容—对风格韵味的把控，请演唱第二段。

（生完整演唱第二段）

师：这一遍整体画面感和人物形象好多了，但我觉得还差点山野味，既然我们唱的是陕北民歌风格的作品，就要去凸显它的陕北韵味。众所周知，陕北人说话音调高起强收，如同喊话般。因此在这几句的润腔上，我们就可以去体会陕北人说话的方式来进行夸张处理。像“回头过前湾”的“前湾”（范唱）有个短暂的甩腔，既然是个甩腔，一定是从低到高才能够甩得起来。好似抛物线，一定是有角度才能够抛起来，演唱时要记得先摁住音调再甩上去。同样，在“寻上了”的“上”（范唱）又使用了一个大下滑音润腔，再大胆一点，给一点字头的重拍，在音调的制高点强调一下，体现出从上到下的滑落感。要注意的是，这些音乐表现一定要在呼吸张力和弹性的支持下进行，这样的声音听起来才有头有尾，具有穿透力又尽显陕北人热情爽朗的性格，才是土色土香、原汁原味的演绎。好吗？我们试一下这两句。

（生演唱第二段前两句“摘瓜回头过前湾，寻上了我的柳条篮篮”）

师：不错，很生动，这种声音色彩与作品风格才是和谐统一的。

（三）沉浸式体验，全方位演绎

李琳老师认为声乐演唱是一项“全身心参与的艺术活动”，歌唱时的任何一个表情、一个眼神，一举手、一投足都能为听众传递信息。因此，她常带动学生“沉浸式”体验作品，切身感悟人物，对肢体动作、面部表情、眼神姿态等无声的语言进行构思和设计，让声音和表演互以补充、相得益彰，实现全方位演绎。

1.剖析歌词，注重表演的真实性

（生演唱第二段前四句“摘瓜回头过前湾……酸枣装了个满怀”）

师：好，停一下。对作品的表演一定不是无中生有的，而是你每一丝丝的心理过程和内心体验所反映出来的，要有连续性和真实性。那在演唱这句“不知道为啥还没丢”时，你要去琢磨生活中真的不知道时是什么状态。眼神是不是会略显不聚焦，表情上应该透露着一丝丝的无辜（示范表情）。所以，演唱到“寻上柳条篮”后，你要快速酝酿一下，表情表现出“不知道”的状态，紧接着又喜笑颜开地意识到：哎呀，太好了，我能装枣了！因此，表演过程中，你的眉毛、表情、眼神、动作都是展现这个人物心理活动的细节所在，用表演让作品所描写的情节得到证实。

2.投身角色，塑造更加鲜活的人物

（生继续演唱“我心里正喊酸……他把我的心儿搅乱”）

师：这里你换位思考一下，为什么此时姑娘心里酸，而不是嘴里酸呢？

生：我认为这里的已经完全不是酸枣的酸了，是姑娘心里感受到了爱情的酸酸甜甜，想向哥哥表达爱意却又不知道怎么表达，心里有点小纠结。

师：说得没错，表情上要表现出姑娘这时心里正乱着，不知道怎么办。接着那羊儿又叫了，把姑娘本来就乱的心情搅得更乱了。你可以略带娇嗔地指着那只羊，紧接着这句“酸不溜溜甜，甜不丝丝酸”，把这时小姑娘既心动又纠结，既欣喜又羞涩，左右为难的情绪生动地显现出来。在动作上可以设计往左再往右，也可以加上抬脚和肩膀的甩动（示范动作），表现出姑娘此时内心不知道怎么办的真实状态，就像歌词中所写都把你的心搅乱了呀！词面上没有说你爱上了他，更没有说怎么办，全靠你的内在心理活动和外在肢体语言，将主人公这份矛盾的心理清楚地表现给大家，让大家一看就懂。看你能不能表演出来，放开唱！

（生演唱至歌曲结束）

师：本节课上到这儿已接近尾声，相信你可以体会到想要真正演唱好一首作品，如同雕琢一件艺术品，既要细心又要有耐心。本节课，我首先引导你转变为作品中的人，去“看”作品描绘的场景，去“听”作品透出的意境，去感受她的外在行为动态；然后内在情感波动、在心中领悟到歌曲的内涵和意蕴；接着再通过富有对比性的声音去抒发这份“曲情”，用声音的轻重缓急、抑扬顿挫烘托出作品的情绪发展与风格意蕴；最后在表演的加持下完成作品表达，期望给听众形成视、听、演全方位的艺术体验，同时去感受到作品中透出的中华特色文化的深度底蕴，以及传统民歌的独有艺术魅力。由此可见，歌唱艺术学习需要下一番苦功，仅仅学会“唱”是远远不够的。正如我的恩师金铁霖教授提出的“七字标准”：声、情、字、味、表、养、象，缺哪一项都不是完整的歌唱艺术。希望你在今后的学习中，让演唱随心而发，让表演随情而动，去追求细致入微又栩栩如生的演唱表达，探寻属于你的声乐之路。

三、结 语

笔者作为本节课的教学对象，对李老师倡导的歌唱理念进行了反复的学习与体会，领悟到老师所强调的“在声乐演唱中追求真实性”的含义——从技术角度，是指通过准确的身体感知来把握呼吸和共鸣；从演唱角度，是指通过真实的内心情感来再现作品的内涵。笔者希望这一心得与感悟不仅仅停留在认识阶段，而是付诸实践，落实“声”中，真正将所思所感从“悟到”转变为“做到”。

笔者跟随李老师学习多年，曾经的我单纯地认为声乐学习只是唱，而老师多年来努力走在学术探索的路上，对我进行多点、多面、多元化的培养，带领我们走入广阔深邃的声乐艺术世界。我想这就是李老师在演唱中既有深度也有鲜明个性的重要源泉，也是在教学中总能辩证处理学生问题，多角度启发学生的关键原因所在。

［作者附言：本文系中国音乐学院声乐歌剧系（中国声乐艺术研究院）项目阶段性成果。］

注释：

1.“归置自己的力量”是指在发声时，要分清楚该用力和不该用力的部位。该用力的部位要积极对抗，不该用力的部位应充分解放，而非一团力量缠在一起。

2.“主动力量”是指腰腹扩张力量，鼻腔上吸力量，咽壁“站立”力量等。

3.“多余力量”是指喉咙、口腔、下巴等部位不必要的力量。

4.发声时，如果前口腔张开过大，会不利于喉咽腔的打开，故应注重“反张嘴”训练。即，上下嘴唇和口腔前部不要张开过大，而是将口腔后部充分张开，软腭充分抬起，舌头自然放平，喉头自然下降，似打哈欠的口腔状态。

5.“不叹不响”是指保持“叹着唱”的状态，始终让气息作为声音发出的动力，让气息走在声音的前面，不能气息未走声音先行。